JD Simo

Wie kamen Sie zu Elvis? Im Jahr 2018 war ich auf Tour und erhielt einen Anruf von Dave Cobb (VG, April 22). Ich kenne Dave seit etwa zehn Jahren – vor dem wahnsinnigen Erfolg von Chris Stapleton, Sturgill Simpson, Jason Isbell und allen anderen. Wir waren Freunde, hatten aber nie zusammengearbeitet. Er rief an und sagte: „Hey, wirst du dieses Wochenende zu Hause sein?“ Zum Glück war ich gerade auf dem Heimweg von einer Tour. Er sagte: „Ich arbeite an diesem Elvis-Film und möchte, dass du Gitarre spielst.“ Das war es auch schon.

Ich nahm an der ersten Sitzungsrunde teil, bevor Austin Butler (Elvis) überhaupt besetzt wurde. Tom Hanks (Colonel Tom Parker) war bereits besetzt. Zum Glück wusste ich nicht, wer Baz Luhrmann war; Unwissenheit ist manchmal Glückseligkeit. Ich bin dort aufgetaucht und wir haben die ersten Sitzungen gemacht, dann ist es von da an gewachsen. Wir haben über die nächsten zwei Jahre verteilt unzählige Sitzungen durchgeführt. Wir haben die Musik erst im Dezember 2021 fertiggestellt. Natürlich war Covid mittendrin.

Mit der Zeit wurde schnell klar, was für ein monumentales Unterfangen es war und wie groß es war (lacht). Anfangs rief mich nur Dave an, um zu ein paar Sessions für einen Elvis-Film zu kommen. Ich war total begeistert, und nebenbei bemerkt, die Gruppe bestand aus mir selbst, dem Schlagzeuger Chris Powell, dem Bassisten Brian Allen und dem Keyboarder Philip Towns. Wir vier haben in den letzten Jahren an vielen Platten für Dave gearbeitet. Wir sind in vielerlei Hinsicht zu seiner Rhythmusgruppe geworden, und das war auf wunderbare Weise möglich. Andere Musiker haben auch an dem Film mitgearbeitet, aber das meiste davon waren wir vier und es war absolut großartig.

War Cobb mit Ihrer Fähigkeit vertraut, ältere Gitarrenstile nachzubilden? Er kannte meinen Hintergrund als Session-Gitarrist und Freund, bevor ich anfing, Platten aufzunehmen. Letztendlich weiß ich immer noch nicht, warum er mich und nicht irgendjemand anderen angerufen hat, aber ich bin dankbar, dass er es getan hat (lacht). Schwester Rosetta Tharpe, Arthur Crudup, BB King und all diese Künstler kennenzulernen, war … ich habe es einfach geliebt. Es war genau das Richtige für mich und ich liebte es. Dave wusste es bis zu einem gewissen Grad, aber dazu kann ich nichts sagen. Da es zwangsläufig ein so langer Prozess sein würde, hätten sie, wenn ich nicht die richtige Person gewesen wäre, die richtige Person bekommen (lacht).

Um es klarzustellen: Sie haben im Film alle Gitarren gespielt.

Ja. Ich war zunächst nervös, eine solche Aussage zu machen, bis ich den Film sah. Dann dachte ich: „Heilige Scheiße!“ Alle zwei Minuten hörst du meinen Arsch. Es ist verdammt verrückt! Es gab 10 oder 12 Musiker, die daran gearbeitet haben, aber bei den meisten Sachen, die man hört, waren wir zu viert, die im Grunde alles gemacht haben. Es gab einige wenige Male, in denen Künstler in den Film integrierte Interpretationen beisteuerten. Kacey Musgraves hat unabhängig von uns „Can't Help Falling In Love“ beigesteuert.

Wie sind Sie an die Beziehung der einzelnen Charaktere zur Gitarre herangegangen? Scotty Moore ist im Herzen ein sehr einfacher Spieler. Du musst dich davon abhalten, Dinge zu tun, die er nicht tun würde. Wir haben eine Menge Scotty-Sachen für den Film aufgenommen. Eine der großen Szenen ist, als Elvis bei „Louisiana Hayride“ debütiert und sie „Baby Let's Play House“ spielen. Wir hatten eine Live-Aufnahme von Elvis und den Blue Moon Boys, die schneller, verzerrter und wilder spielten als die Platte.

Das hat wirklich Spaß gemacht. Es erinnerte mich an die Zeit, als ich zum ersten Mal die Star-Club-Aufnahmen der Beatles in Hamburg hörte. Man hört die Beatles, aber alles ist schneller, wirklich verzerrt, der Gesang ist verzerrt und sie klingen fast wie die Sex Pistols. Sie klingen nicht wie „Love Me Do“. Sie sind viel kantiger und viel punkiger, was die Massen nie gehört haben.

Das Gleiche galt für das Ausgangsmaterial von Scotty Moore. Ich bin ein großer Elvis-Fan und habe es noch nie gehört. Es hat wirklich Spaß gemacht, diese verstärkte Version von Scotty zu spielen. Sie hatten die ganze Zeit über kleine Verstärker aufgedreht, daher wird es natürlich stärker verzerrt sein – und sie sind nervös. Es ist nicht so, dass es sich hierbei um äußerst professionelle Musiker handelt. Sie sind jung und nervös, also spielen sie ihre Sachen schneller und ruckartiger. Sie werden mehr Einstellung haben.

Es gab eine Menge Sachen, die ich wörtlich spielen musste, weil Scotty diese Teile erfunden hatte. Ich habe versucht, sie so zu variieren, dass es immer noch eine Aufführung und keine Pantomime ist, weil Baz darauf bestand. „Ich möchte nicht, dass du so etwas nachahmst“, sagte er mir. „Ich möchte nicht, dass du dieses Zeug nachahmst. Ich möchte, dass Sie es so interpretieren, als wären Sie diese Person.“ Bei Scotty geht es darum, seinen Melodien zu vertrauen und nicht mehr zu extrahieren, als er es tun würde.

James Burton war ein heißer Picker. Bei Live-Aufnahmen von ihm mit Elvis aus den späten 60ern und frühen 70ern war James wild. Er wollte immer etwas Heißes hineinwerfen, also ist es fast das Gegenteil. Bei James ging es darum, Wege zu finden, etwas Heißes hineinzuwerfen. Er war ein junger Schlagmann und hatte viel Geschick. So habe ich mich an die beiden Jungs erinnert. Scotty war dieser zurückhaltende Herr, während James der Scharfschütze war. Er stammt aus Louisiana, war aber damals Mitglied der Wrecking Crew und spielte auf unzähligen Hit-Platten in Hollywood. Er war nicht überheblich, aber er meinte: „Ich bin James Burton (lacht).“

War es schwierig, Schwester Rosetta Tharpe zu „werden“? Das war es (lacht)! Seltsamerweise bin ich ein großer Fan. Wenn überhaupt, war das eines der einfacheren Dinge für mich, weil es direkt in meiner Hand liegt, wie ich normalerweise spiele. Ich musste für alles intensive Hausaufgaben machen, aber die Sachen von Schwester Rosetta Tharpe waren mein Lieblingstag. Als Sängerin Yola (Carter) hereinkam, war sie noch nicht einmal besetzt – sie sollte lediglich die Stimme von Schwester Rosetta Tharpe liefern. Aber sie ist großartig, und als Baz sie traf, sagte er: „Warum spielt sie sie nicht im Film? Du spielst sie im Film!“ Das passierte mehrmals, als Baz Musiker aus unserer Community hier in Nashville traf und sagte: „Du musst im Film sein.“

Yola wurde für diese Rolle geboren und hat einen tollen Job gemacht. Nicht alles, was wir aufgenommen haben, hat es in den Film geschafft, aber es war großartig, diesen Stil zu spielen und zu hören, wie sie ihn in der Kabine umsetzte (lacht). Es hat mir viel Freude bereitet.

Sie covern auch Hank Garland, Reggie Young und Tommy Tedesco.

Hank war ein methodischer, aber sehr jazziger Spieler. Bei ihm ging es um Zurückhaltung, ein gehobeneres, raffinierteres und perfekteres Spiel. Reggie war eine perfekte Mischung aus beidem. Er hatte Geschmack und Zurückhaltung, war aber auch ein flippiger Typ. Tedesco hatte in seiner Spielweise einen großartigen Sinn für Humor, war aber einer der besten Jazzmusiker und Blattleser der Musikgeschichte. Er hatte diese Präzision, aber mit Sinn für Humor. Für die Sachen, die wir schneiden, ist Tommy Tedesco wie eine erwachsene Version von James Burton (lacht). Er hat all das zu zeigen, und er wird es immer noch von Zeit zu Zeit zeigen, aber er ist älter, weiser und verfügt darüber hinaus über noch mehr Fähigkeiten. Es ist eine interessante Crew, die man sich vorstellen kann.

Bei BB King ging es mehr um sein Spiel in den 50er Jahren. Die Szenen spielen im Jahr 1956, und er hatte noch kein Vibrato; Wenn man sich etwas vor den 60ern anhört, spielte BB eher im Sinne von T-Bone Walker. Ich musste also sicherstellen, dass es kein großes, breites, schwungvolles Live at the Regal, BB King-Vibrato gab. Ich musste es wie BB King von 1956 klingen lassen, was super Spaß machte.

Insbesondere der Sound von Scotty Moore war schwierig, da Scotty in dieser Zeit vier Gitarren spielte, alles über einen EchoSonic-Verstärker von Ray Butts, was äußerst selten und sehr eigenwillig ist. Also gingen wir zu Carter Vintage, um einen Vintage Super 400, L-5 oder einen 295 zu kaufen. Wir bekamen Sachen mit P-90s, Staple-Tonabnehmern (Alnico-Magnet) und PAFs. Wir haben eine Menge Vintage-Gitarren vom Typ Super 400 und L-5 aus den 50er und frühen 60er Jahren. Wir brachten sie alle zurück ins Studio, und ein L-5 aus der Mitte der 50er Jahre hatte mehr vom Sound als die anderen. Sie hatte große Flatwounds und wurde zur Gitarre für alle Scotty-Moore-Sachen.

Manchmal konnten wir mit der genauen Ausrüstung nicht den Klang erzielen, den wir gesucht hatten. Aber Dave hat eine riesige Ausrüstungssammlung, also wusste ich, dass es uns gut gehen würde.

Wie wäre es mit Verstärkern? Wir haben einiges ausprobiert, aber Dave hatte diese kleine Rickenbacker-10-Watt-Kombination aus den 60ern, die am besten klang. Wenn man eine Archtop mit großem Korpus aus den 50ern nimmt und sie in einen Ray Butts EchoSonic und irgendein Echo einbaut, ist er nicht hell genug – oft war Scottys Sound sehr hell, aber viele dieser Gitarren und … Verstärker sind sehr dunkel. Wir mussten eine Kombination finden, die genau dann funktioniert, wenn wir sie brauchen. Ein alter Röhren-Echoplex, dieser alte Rickenbacker-Verstärker und der L-5 aus den 50er Jahren ergaben schließlich das Scotty-Setup.

Wie war der Aufbau von James Burton? Das war am einfachsten, weil Dave einen fantastischen Esquire von 1956 und einen Super Reverb von 1967 hat, der nicht wie irgendein Super klingt, den ich je gehört habe. Vieles vom Bakersfield-Sound und den Sachen, die James mit Merle Haggard gespielt hat, hat einen Ping – ein ganz spezifischer Lautsprechersound. Dieser Esquire in diesem Super sagte: „Los geht’s!“

Welcher Gitarrist war am schwierigsten zu covern? Wahrscheinlich Scotty Moore, weil ich es einfach richtig machen wollte. Es war das, was mir am meisten durch den Kopf ging. Meine erste Gitarre bekam ich mit vier Jahren; Es war das erste, was ich in die Finger bekam und spielen lernte. Es ging also nur darum, es auf eine Art und Weise zu verkörpern, die es richtig machte. Ich habe mein Bestes gegeben.

Gab es Herausforderungen, die anderen Blueskünstler nachzuahmen? Nicht so sehr, weil vieles davon unter meinen Fingern liegt; Ich bin bereits von Big Mama Thornton und Schwester Rosetta Tharpe fasziniert – zumindest am Rande, Woche für Woche, Monat für Monat. Es war also nicht so weit hergeholt. Meine Fähigkeit, mich an diesen Tagen in die Stimmung zu versetzen, war nicht so intensiv wie „Oh mein Gott!“ Wir müssen ‚Hound Dog‘ für die ‚Milton Berle Show‘-Szene im Film neu aufnehmen!“ Es war großartig, solche kleinen Dinge richtig zu machen, aber es war anstrengend. Scotty spielte „Hound Dog“ dreimal, bevor er es aufnahm, um es als Single zu veröffentlichen, und bei jedem Auftritt spielt er eine andere Rolle. Dann spielt er die Rolle, die in die Zeit eingraviert ist. Was spielte er also in „The Milton Berle Show“? Ich bohre es mir in den Kopf und möchte nicht spielen, was auf der Platte landete, was unbewusst geschieht.

Haben die Mystery-Tunings die Sache zu einer Herausforderung gemacht? Ja (lacht). Es war verrückt. In dem Film spielt Gary Clark Jr. Arthur „Big Boy“ Crudup, an dessen Stil ich sicherlich hart gearbeitet und den ich sehr ernst genommen habe. Als ich mir das Ausgangsmaterial zum ersten Mal anhörte, konnte ich erkennen, dass er eine [andere] Stimmung hatte. Dann stürzen Sie sich in den Kaninchenbau und versuchen herauszufinden, was er getan hat. Das war die beste Schätzung, die ich einschätzen konnte, denn niemand weiß genau, wie er gestimmt hat. Es gibt Hinweise darauf, dass er auf einen offenen Moll-Akkord gestimmt hat, also habe ich mein Bestes getan, um das zu reproduzieren.

Der Tag, an dem ich die Crudup-Version von „That's All Right Mama“ aufgenommen habe, war vor allem wegen des Timings schwierig. Wenn Sie an diesem Zeug arbeiten, wissen Sie nicht, was sie verwenden oder nicht verwenden werden. Aber Sie haben auch keine Ahnung von der Zeit oder dem Kontext. Ich erinnere mich, dass Baz mir bei den Crudup-Sachen erklärt hat, wie sie sich in die 50er, 60er und 70er Jahre und dann wieder zurück verwandeln würden. Ich erinnere mich, dass er mir das alles erzählt hat, aber in meinem Kopf denke ich: „Ich weiß nicht, was du meinst (lacht).“ Als ich den Film sah, dachte ich: „Jetzt verstehe ich es (lacht)!“ Bei so viel davon fliegt man im Blindflug, bis er sagt: „Ja, das ist großartig!“ „Cool, weil ich keine Ahnung habe (lacht)!“

Was war Ihre größte Erkenntnis aus dieser Erfahrung? All diese Musik ist das Herzstück dessen, was ich am meisten liebe. Ich tendiere zu Rhythm and Blues, Blues und Jazz. Der Rock'n'Roll-Sachen war in meiner prägenden Zeit beim Erlernen des Spielens sehr wichtig. Es ist jetzt nicht mehr so ​​präsent, also schloss dieser Prozess den Kreis und das Spielen all der Dinge, die buchstäblich den Kern dessen ausmachen, wer ich als Musiker bin. Es gab vieles, an das ich als Erwachsener noch nicht herangekommen war, daher hat es heute Spaß gemacht, es mit meinen eigenen Augen anzugehen.

Was immer wieder passierte, war mein Respekt vor Nuancen. Meistens waren alle, mit denen ich zurechtkommen musste, ziemlich einfach, aber ihre Spielweise war so aufrichtig und cool. Es gibt Menschen, die ich respektiere, die mit Zurückhaltung, Geschmack und Klang spielen und sehr musikalisch sind. Aber wir leben in einer Zeit, in der es zu Übertreibungen kommt und es an Dynamik mangelt.

Immer wieder hörte ich einigen dieser Künstler zu und sagte: „Mann, schau dir das an! Das ist einfach so hip!“ Es bleibt im Kopf hängen und ist cool. Ich liebte es. Es war eine wundervolle Erleichterung, zu der ich immer wieder zurückkam. Ich bin für immer dankbar, dass ich dem Projekt verbunden bin, wenn auch nur in geringem Umfang.

Was haben Sie gedacht, als Sie den fertigen Film gesehen haben? Ich habe mich neugierig darauf eingelassen und es hat mir sehr gut gefallen. Im Gespräch mit Familienmitgliedern und anderen Menschen habe ich herausgefunden, dass Sie den Film lieben werden, wenn Sie den Stil von Baz Luhrmann mögen. Es ist nicht jedermanns Sache, aber ich finde es verdammt cool. Ich habe „Der große Gatsby“ und „Moulin Rouge“ geliebt!

Das Interessante, was ich seitdem herausgefunden habe, ist die starke Korrelation zwischen Elvis und afroamerikanischer Musik. Baz hat großartige Arbeit geleistet und Big Mama Thornton in eine Trap-Version von „Hound Dog“ integriert. Er hat auch großartige Arbeit geleistet und versucht, die Umgebung, aus der Elvis kam, auf eine Art und Weise darzustellen, die in der heutigen Zeit spürbar ist. Ich habe ein paar alte Verwandte, denen das nicht so gefällt, aber mir gefällt, dass es ihnen nicht gefällt (lacht). Weil das eigentlich nicht der Fall ist (lacht). Es ist nichts für sie.

Sie verstehen nicht, wie die afroamerikanische Musik der Vergangenheit mit der afroamerikanischen Musik der Gegenwart zusammenhängt.

Genau. Sie würden es vorziehen, wenn das Ganze zu 100 Prozent aus einem historischen Film bestünde. Als Musikfan gefällt mir der Zusammenhang. Es ist unmöglich zu erklären, wie empörend Elvis oder Little Richard im Jahr 1956 waren. Es war eine andere Zeit und Baz hat dieses Bild unglaublich gut gemalt. Er hat auch großartig gezeigt, wie viel Respekt Elvis für die afroamerikanische Kultur hatte. Elvis wollte sich so kleiden. Es hat ihm gefallen. Es war nicht so, dass er versuchte, etwas Unaufrichtiges zu tun. Die schwarze Kultur war die Kultur, in die er eingetaucht war und in der er aufgewachsen war. So wollte er sich präsentieren und so fühlte er sich in vielerlei Hinsicht wohl. Ich denke, dass es eine großartige Sache ist, das zu verkörpern, wenn man die Zeiten bedenkt, über die wir sprechen, und die Zeiten, in denen wir heute leben.

Dieser Artikel erschien ursprünglich in der Novemberausgabe 2022 von VG. Alle Urheberrechte liegen beim Autor und der Zeitschrift Vintage Guitar. Die unbefugte Vervielfältigung oder Nutzung ist strengstens untersagt.